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002. THE DAY THE EARTH STOOD STILL (1951) [92'] [1.37:1] [****]
O espectador que conhece Robert Wise apenas pelos musicais suntuosos (e oscarizados) ou pelos dramas de época talvez se surpreenda ao descobrir que, em 1951, o mesmo cineasta assinou um dos mais solenes e influentes filmes de ficção científica (de Primeiro Contato) já produzidos. A trajetória de Wise já exibia, no entanto, uma maleabilidade incomum. Ele havia sido o montador do lendário Citizen Kane, obra que revolucionou a sintaxe cinematográfica, e logo depois dirigiu The Body Snatcher, exercício de terror gótico produzido por Val Lewton, e The Set-Up, um duro e concentrado drama de boxe (com uma clara intersecção NOIR) que se desenrola quase em tempo real. Esses dois últimos já evidenciavam o domínio do diretor sobre atmosferas opressivas e a economia narrativa que viriam a ser marcas registradas de The Day the Earth Stood Still. O filme de 1951, por outro lado, está muito distante tanto do lirismo trágico de West Side Story quanto do esplendor familiar de The Sound of Music e do terror psicológico de The Haunting, trabalhos posteriores que consolidariam a fama de Wise como um artesão camaleônico. Ainda assim, há um fio condutor: em todos esses projetos, o diretor persegue uma clareza expositiva que nunca subestima a inteligência do público e um humanismo que valoriza a dignidade dos indivíduos mesmo quando eles estão enredados em sistemas que os esmagam... Em 1951, o mundo respirava o hálito gélido da Guerra Fria; a União Soviética testara sua primeira bomba atômica dois anos antes, a corrida armamentista acelerava e o macarthismo envenenava o debate público nos Estados Unidos. O medo do outro, a desconfiança em relação a qualquer um que parecesse diferente e a histeria nacionalista formavam um caldo cultural que o cinema de gênero logo aprenderia a metabolizar. The Day the Earth Stood Still canalizou essas ansiedades não para alimentar o pânico, mas para desarmá-lo: em vez de invasores hostis (como em The Thing lançado poucos meses antes), trouxe um emissário pacífico que vinha advertir a humanidade sobre os perigos de sua própria agressividade. A parábola de Wise e do roteirista Edmund H. North invertia a lógica belicista e propunha que a verdadeira ameaça não vinha das estrelas, mas da incapacidade humana de superar tribalismo e violência. O filme se inseria, assim, em uma corrente minoritária porém vigorosa da ficção científica que, ao contrário dos filmes menores de monstros e de invasões marcianas (invasões alienígenas em geral), usava o visitante extraterrestre como espelho crítico da condição humana. Ao mesmo tempo, a produção não renunciava ao espetáculo: o desembarque do disco voador no centro de Washington, os efeitos especiais que materializavam o raio de calor de Gort e a demonstração de poder de Klaatu (um elaboradíssimo black out global!) eram calculados para despertar assombro, mas um assombro que conduzia à reflexão. A escolha de filmar em preto e branco e de adotar uma estética semidocumental, com locações reais e figurantes que pareciam saídos das ruas, conferia verossimilhança a uma história que, em mãos menos hábeis, poderia descambar para o ridículo. A persona de Klaatu, interpretado com uma serenidade quase sobrenatural por Michael Rennie, corporificava a mensagem central do filme: a firmeza não precisa ser arrogante, a autoridade moral pode prescindir da intimidação. Essa qualidade seria decisiva para conquistar a confiança de Helen Benson e de seu filho Bobby, cujos afetos funcionam como a âncora emocional que humaniza o visitante e, por extensão, a própria narrativa.
A história começa com a chegada de um disco voador ao parque Ellipse, em Washington, D.C., numa tarde de primavera. Após o pouso, uma rampa se abre e surge Klaatu (Michael Rennie), um humanoide (indistinguível de um homem) de expressão calma, seguido de um robô imponente, Gort (Lock Martin). Um soldado nervoso dispara contra o alienígena, que é ferido e levado a um hospital militar. Com isso, Gort neutraliza todas as armas visíveis dos militares, ainda sem vítimas e entra em um modo de espera meio que "montando guarda" na nave completamente imóvel. Klaatu se recupera rapidamente (graças a uma espécie de "unguento tecnologicamente mágico") e pede às autoridades que organizem um encontro com os líderes de todas as nações, pois traz uma mensagem urgente para a humanidade. A burocracia e a rivalidade geopolítica, porém, tornam a reunião impossível; nenhum país aceita a sede proposta por outro. Frustrado, Klaatu foge sorrateiramente do hospital e, usando o nome falso de John Carpenter (!), aluga um quarto em uma pensão modesta onde vivem a viúva Helen Benson (Patricia Neal) e seu filho Bobby (Billy Gray). O menino logo se afeiçoa ao hóspede misterioso, que demonstra um conhecimento incomum de ciência e uma ternura quase paternal. Helen, por sua vez, observa com reserva, mas gradualmente se deixa tocar pela integridade serena do forasteiro. É Bobby quem conduz Klaatu até o Professor Jacob Barnhardt (Sam Jaffe), um sábio que funciona como consciência moral da comunidade científica. Diante de Barnhardt, Klaatu revela sua verdadeira identidade: ele é um emissário de uma federação de planetas que monitora a galáxia. As explosões atômicas que a humanidade começa a realizar são detectadas como uma ameaça ao equilíbrio cósmico; caso a Terra persista no desenvolvimento de armas nucleares e na exportação da violência para o espaço, a federação interplanetária tomará medidas drásticas, eliminando o planeta em legítima defesa coletiva. Barnhardt sugere que Klaatu demonstre seu poder de modo inequívoco para que os líderes mundiais (talvez representados pelos cientistas) não tenham como ignorar o ultimato. O alienígena então realiza uma demonstração que paralisa o mundo: durante meia hora, toda a eletricidade do planeta é neutralizada, com exceção de equipamentos essenciais como hospitais e aviões em voo. O evento causa pânico e maravilhamento, mas também acelera a caçada ao forasteiro. Tom Stevens (Hugh Marlowe), namorado ciumento de Helen, desconfia da ligação entre ela e o hóspede e, movido por inveja e por um senso distorcido de patriotismo, denuncia Klaatu às autoridades. O exército cerca a nave e dispara contra o alienígena, matando-o. Helen, desesperada, corre até o disco e repete as palavras que Klaatu lhe ensinara: Klaatu Barada Nikto. Gort, que até então permanecera imóvel como uma sentinela, reage e neutraliza mortalmente dois soldados; depois recolhe o corpo do mestre de uma cela e o conduz para dentro da nave. O robô aplica sobre Klaatu um procedimento que o revive por um tempo indeterminado, ressureição que o próprio Klaatu relativiza ao afirmar que o poder de restaurar a vida permanentemente pertence apenas ao Espírito Supremo. Klaatu dirige-se então aos cientistas reunidos e profere seu aviso final: a humanidade pode escolher entre a paz e a aniquilação, mas a decisão cabe aos próprios humanos; a federação interplanetária apenas responderá com força se for provocada. Dito isso, ele embarca no disco voador e parte em direção ao céu, encerrando uma trajetória que muitos associaram ao longo do tempo à figura de um messias moderno. Os temas principais do longa são a desumanização gerada pelo medo, a crítica à lógica da dissuasão nuclear e a defesa de uma ética universal que transcende fronteiras e ideologias. O conflito central não reside apenas no choque entre Klaatu e os militares, mas sobretudo na tensão entre a racionalidade cooperativa, representada por Barnhardt e Helen, e a pulsão autodestrutiva de uma sociedade que trata o desconhecido como inimigo. Klaatu encarna a possibilidade de uma autoridade que não se impõe pela força bruta, mas pela firmeza tranquila e pelo exemplo; Helen e Bobby materializam a resposta humana ideal: curiosidade, empatia, coragem. Tom Stevens, por sua vez, simboliza o contrário disso: o afeto que se corrompe em possessividade, a insegurança que se disfarça de heroísmo. A força do filme está em mostrar como essas disposições emocionais determinam o destino de toda a civilização.
A eficácia de The Day the Earth Stood Still deve muito à sua linguagem audiovisual, que o próprio Wise descreveu como uma fusão de realismo jornalístico e alegoria fantástica. A fotografia em preto e branco de Leo Tover utiliza contrastes fortes e sombras alongadas que remetem ao expressionismo e ao cinema noir (além do uso da profundidade de campo como esperaríamos de um bom egresso da produção de Citizen Kane), mas também emprega uma iluminação diáfana nos momentos de intimidade, como as conversas entre Klaatu e Helen na pensão, criando uma atmosfera de recolhimento que contrasta com as cenas de rua repletas de figuração. A escolha de filmar em locações autênticas de Washington, incluindo o National Mall e o cemitério de Arlington, enraíza a fábula em um solo reconhecível, eliminando a distância segura que o estúdio costuma interpor entre o espectador e a fantasia. A montagem de William Reynolds é um modelo de concisão narrativa: os planos se sucedem com um ritmo que jamais acelera em vão, mas também não se demora além do necessário, permitindo que o suspense gere expectativa sem jamais se converter em histeria. A cena em que Bobby percorre o Mall à noite, perseguido pelo vulto metálico de Gort, é um primor de tensão construída quase sem diálogos, baseada apenas no enquadramento, na duração dos planos e na trilha sonora. A música de Bernard Herrmann merece um capítulo à parte. Herrmann, que se tornaria o colaborador mais célebre de Alfred Hitchcock, utilizou uma orquestra incomum, acrescida de theremin, vibrafone, órgão elétrico e outros instrumentos que produzem timbres etéreos e inquietantes. O theremin, em particular, era uma novidade em 1951 e sua sonoridade ondulante tornou-se a assinatura auditiva do extraterrestre, mas também a metáfora acústica de uma realidade que escapa à compreensão humana (ele tornou-se um instrumento associado ao gênero na época). A partitura de Herrmann não apenas sublinha as emoções como frequentemente as contradiz: há passagens em que a música se mantém estranhamente calma enquanto a imagem mostra agitação, sugerindo que a lógica de Klaatu opera em uma frequência diferente da histeria terrena. As atuações reforçam essa dualidade. Michael Rennie empresta a Klaatu uma postura ereta e um olhar que jamais vacila, mas nunca soa arrogante ou distante; sua cortesia não é subserviência, e sua paciência não é fraqueza. Patricia Neal confere a Helen uma inteligência prática e uma ternura que não cai no sentimentalismo, tornando crível a rápida mas profunda afinidade que a une ao visitante. Billy Gray evita os clichês do menino prodígio e faz de Bobby uma criança comum, cuja curiosidade natural serve de ponte entre a humanidade e o desconhecido. Sam Jaffe, com seu sotaque levemente europeu e sua compostura de cientista iluminista, representa a consciência que a humanidade poderia ter se não estivesse cega por ideologias. Hugh Marlowe compõe um antagonista que não é um vilão de caricatura, mas um homem comum corroído por ciúme e medo, o que torna sua traição ainda mais amarga. Até mesmo Lock Martin, um porteiro de estatura imponente que nunca pronuncia uma palavra, consegue infundir em Gort uma presença que oscila entre a ameaça e a proteção, graças a uma postura rígida e a movimentos lentos que sugerem força contida. Cada elemento da linguagem cinematográfica converge, assim, para reforçar o contraste entre o caos emocional dos humanos e a disciplina de Klaatu, entre a balbúrdia das ruas de Washington e o silêncio reverente que cerca o disco voador.
Ao final de sua jornada, The Day the Earth Stood Still entrega um veredicto que é ao mesmo tempo severo e esperançoso. A humanidade é retratada como imatura, incapaz de superar suas divisões internas mesmo diante de uma evidência que poderia unificá-la (!); contudo, a existência de figuras como Barnhardt, Helen e Bobby prova que a cooperação é possível e que a empatia não é uma fantasia, mas uma capacidade real que precisa ser cultivada. Robert Wise não oferece uma solução fácil, e o filme termina sem garantias: Klaatu vai embora, e cabe aos terráqueos decidir se acatarão o alerta ou se caminharão para a própria ruína. Essa ambiguidade moral é um dos traços que elevaram a obra acima do entretenimento escapista e a transformaram em referência perene. Na trajetória de Wise, o longa representou uma conquista singular: depois de ter impressionado como montador em Citizen Kane e como diretor de produções de orçamento enxuto, ele demonstrou que podia manejar efeitos especiais, elenco numeroso e temas espinhosos sem perder o controle do todo. A experiência com The Day the Earth Stood Still fortaleceu a autoconfiança que lhe permitiria, nos anos seguintes, alternar entre o drama carcerário de I Want to Live!, o esplendor musical de West Side Story e The Sound of Music e o terror psicológico de The Haunting, filmes que, embora radicalmente diferentes, compartilham a mesma atenção aos detalhes e o mesmo respeito pelo espectador... O legado específico do filme de 1951 se desdobrou em várias frentes: ele ajudou a legitimar a ficção científica como veículo para discussões adultas, tornando-se uma espécie de Filme de Primeiro Contato Raiz e que imediatamente abriu caminho para obras como Forbidden Planet e The War of the Worlds e demonstrou que o cinema de gênero podia ser, ao mesmo tempo, espetáculo e ensaio filosófico. Gort tornou-se um ícone da cultura pop ("O Guardião Impassível" , Os Cylons , Iron Giant , RoboCop , Sky Captain ETC. ) e a frase Klaatu Barada Nikto foi incorporada a filmes, jogos e quadrinhos, de Army of Darkness a Star Wars, como um aceno carinhoso à memória do clássico. Ainda hoje, quando o mundo enfrenta novas modalidades de tensão geopolítica e de pânico coletivo, a mensagem de The Day the Earth Stood Still permanece incômoda e necessária: a escolha entre a razão e a violência é diária, e suas consequências são planetárias.
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O quinto parágrafo desta análise compõe o projeto de reavaliação histórica de longas-metragens de ficção científica a partir de 1950, cuja lista-base se encontra disponível em nosso blog. A proposta é examinar cada obra não como um monumento isolado, mas como elo de uma corrente que liga passado e futuro, influências recebidas e influências exercidas... The Day the Earth Stood Still nasceu diretamente do conto Farewell to the Master, de Harry Bates, publicado em 1940 na revista Astounding Science Fiction, mas o filme alterou profundamente o material original. No texto de Bates, o robô Gnut (que no cinema se tornou Gort) é a verdadeira inteligência superior, enquanto Klaatu era apenas um serviçal humanoide; a reviravolta final revelava que o autômato era o mestre, e não o outro modo. O roteiro de Edmund H. North inverteu essa relação e transformou Klaatu em um emissário consciente, portador de um discurso moral que ecoava o cristianismo e o humanismo liberal. Essa mudança não foi apenas uma concessão comercial: ela permitiu que o filme dialogasse com os temores da era atômica de modo mais direto, substituindo a fábula epistemológica de Bates por uma parábola ética... A federação interplanetária descrita por Klaatu, uma aliança de mundos que impõe a paz pela ameaça de força letal, guarda semelhanças e diferenças com a Federação de Star Trek, imaginada por Gene Roddenberry mais de uma década depois. Ambas partem do princípio de que civilizações avançadas podem cooperar para o bem comum; mas, enquanto a Federação de Star Trek aposta na exploração, na diplomacia e na diretriz de não interferência, a federação de Klaatu adota uma postura mais dura e punitiva, intervindo militarmente contra espécies que representem perigo. O contraste ilumina duas vertentes da utopia espacial: uma que confia na capacidade de evolução cultural dos povos e outra que considera a vigilância armada como pré-condição da paz... O filme de Wise influenciou diretamente as produções scifi de um jovem Steven Spielberg, que também apostaram na figura do alienígena benevolente, e mesmo The Iron Giant, que homenageou explicitamente a dinâmica entre menino e gigante mecânico (como uma espécie de spin off espiritual)... Obras como Arrival, de Denis Villeneuve, e Interestelar, de Christopher Nolan, embora distantes no tempo, retomam a ideia de que o contato com o outro é, antes de tudo, um encontro com os próprios limites éticos e linguísticos... O cinema de ficção científica é generoso o bastante para abrigar tanto a advertência solene de Klaatu quanto a aventura de 2001 ou a sátira de Brazil, e The Day the Earth Stood Still permanece como um eterno testemunho de que o gênero pode ser, simultaneamente, entretenimento e convocação à responsabilidade... A frase cunhada por Edmund North, Klaatu barada nikto, converteu-se em senha cultural porque resume, no idioma de uma civilização que não existe, o apelo que todas as civilizações existentes deveriam ouvir: pare, reflita, mude. A ficção científica, quando exercida com a seriedade que Wise lhe conferiu, não prevê o futuro; ela nos obriga a encará-lo. E nesse exercício de imaginar o amanhã para corrigir o hoje, cada filme se torna um elo vivo na história das ideias, passando o bastão para as gerações seguintes como um convite à criação e à lucidez.
(Klaatu não saber quanto tempo que lhe resta após a sua ressureição aqui antecipa a história análoga do Capitão John Sheridan de Babylon 5.)
(A história do filme de Klaatu é ecoada na do piloto de Star Trek: Strange New Worlds de maio de 2022. Inclusive com o uso de imagens do longa... Pike faz o papel de uma espécie de Klaatu dentro da história do episódio... O imaginário Cristão do Capitão da Enterprise é intencionalmente potencializado com essa associação... Outro ponto, pouco mencionado, é o de se utilizar a postura de Klaatu no filme como modelo de masculinidade sadia para o Federado. Infelizmente a caracterização de Pike se deteriorou desde então vítima de uma infeliz combinação de humor e de identitarismo.)
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