FRIEREN S1 (2023)

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EPISÓDIOS

01 "The Journey's End" [***1/2]

02 "It Didn't Have to Be Magic…" [***]

03 "Killing Magic" [***]

04 "The Land Where Souls Rest" [***]

05 "Phantoms of the Dead" [**1/2]

06 "The Hero of the Village" [***1/2]

07 "Like a Fairy Tale" [***1/2]

08 "Frieren the Slayer" [****]

09 "Aura the Guillotine" [****]

10 "A Powerful Mage" [****]

11 "Winter in the Northern Lands" [**1/2]

12 "A Real Hero" [***1/2]

13 "Aversion to One's Own Kind" [**1/2]

14 "Privilege of the Young" [***1/2]

15 "Smells Like Trouble" [***1/2]

16 "Long-Lived Friends" [***]

17 "Take Care" [***]

18 "First-Class Mage Exam" [***]

19 "Well-Laid Plans" [***]

20 "Necessary Killing" [***]

21 "The World of Magic" [****]

22 "Future Enemies" [***]

23 "Conquering the Labyrinth" [***1/2]

24 "Perfect Replicas" [***1/2]

25 "A Fatal Vulnerability" [****]

26 "The Height of Magic" [****]

27 "An Era of Humans" [****]

28 "It Would Be Embarrassing When We Met Again" [****]

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REVIEW

A primeira temporada do anime Frieren: Beyond Journey's End (Sousou no Frieren), lançada entre 2023 e 2024, consolidou-se como um ponto de inflexão na carreira do estúdio Madhouse e um marco na animação japonesa contemporânea. Baseada no aclamado mangá de Kanehito Yamada e Tsukasa Abe, vencedor do prestigiado prêmio Manga Taishō, a adaptação surge em um cenário de saturação de narrativas de fantasia épica, propondo uma reflexão profunda e melancólica sobre o que acontece após o tradicional "felizes para sempre". Ao colocar no centro da trama uma elfa virtualmente imortal (a titular Frieren) que enfrenta o lento e inexorável passar do tempo, o peso do arrependimento e a complexidade do luto, a série conecta-se profundamente com uma audiência global em um período pós-pandêmico, onde temas como a efemeridade das conexões, a valorização do cotidiano e o processamento emocional da perda ganharam relevância inédita. A obra se afasta da busca por um objetivo externo grandioso para embarcar em uma jornada interior de autodescoberta, um movimento que a insere na tradição de narrativas contemplativas da Madhouse, ao mesmo tempo que renova radicalmente os códigos do gênero de fantasia com uma abordagem introspectiva, filosófica e esteticamente sublime. Este reposicionamento, reconhecido pela crítica e pelo público, que a celebra por seus temas de memória e relacionamentos , demonstra uma maturidade narrativa rara, elevando a série à condição de fenômeno cultural que transcende o nicho dos animes.

A narrativa da primeira temporada inicia-se após a derrota do Rei Demônio, evento tradicionalmente tratado como desfecho final em outras histórias do gênero. Acompanhamos a maga élfica Frieren (voz de Atsumi Tanezaki), cuja vida se estende por milênios, enquanto ela lida com as consequências do tempo sobre seus companheiros mortais. A morte por velhice do herói líder Himmel (Nobuhiko Okamoto) funciona como catalisador essencial para o enredo, fazendo Frieren confrontar dolorosamente um arrependimento profundo e transformador: ela dedicou uma década de sua vida infinita à jornada épica ao lado de Himmel, do sacerdote Heiter (Hiroki Tochi) e do guerreiro anão Eisen (Yoji Ueda), mas nunca se esforçou genuinamente para compreendê-los em sua efêmera e vibrante humanidade. Movida por esse remorso e pelo último pedido de um moribundo Heiter, ela assume como discípula a talentosa jovem órfã Fern (Kana Ichinose), embarcando com ela em uma nova viagem rumo ao extremo norte, ao lendário local onde as almas dos mortos descansam, com a promessa de um reencontro simbólico e reparador com Himmel. Ao longo do caminho, juntam-se a elas o guerreiro Stark (um discípulo de Eisen com voz de Chiaki Kobayashi), um jovem de força colossal mas assombrado por uma insegurança profunda, formando um novo grupo que ecoa e contrasta deliberadamente com a dinâmica do antigo. A trama estrutura-se em arcos episódicos que magistralmente misturam fantasia, meros slices of life e ação, onde o verdadeiro conflito não reside em monstros colossais, mas no processo lento, doloroso e belo de Frieren aprender a dar significado ao tempo finito, às memórias passageiras e aos laços afetivos, entendendo a beleza da transitoriedade humana que ela outrora ignorou com distração imortal (flashbacks misturam topicamente as duas jornadas e além, sem cerimônias ou avisos).

A realização audiovisual é absolutamente fundamental para materializar essas reflexões tão subjetivas e emocionais. A direção não menos do que visionária de Keiichiro Saito e a produção meticulosa da Madhouse optam por uma abordagem visual profundamente contemplativa, empregando uma paleta de cores frequentemente suave e pastel que enfatiza a nostalgia, a serenidade e a passagem poética das estações, intercalada com explosões calculadas de cores vibrantes e efeitos luminosos espetaculares durante os raros, porém devastadoramente impactantes, combates mágicos. A animação dos feitiços, como o já icônico e letal Zoltraak, é de uma fluidez e criatividade notáveis, empregando técnicas tridimensionais sofisticadas para dar uma dinamicidade coreográfica aos confrontos, sem jamais abandonar a clareza narrativa e o peso tático de cada movimento. A trilha sonora, composta pelo talentoso californiano Evan Call, é um elemento narrativo por si só, uma verdadeira protagonista auditiva; seus temas orquestrais, que transitam do melancólico introspectivo ao heroico grandioso, reforçam de maneira comovente a dimensão emocional e a escala épica da jornada interior da personagem. As aberturas e encerramentos também carregam significado profundo, com Yuusha de Yoasobi e Anytime Anywhere de Milet (que pode ser vista como uma espécie de conversa entre Frieren e Himmel do além, interpretação que se torna cada vez mais emocionante ao longo da temporada), cujas letras poéticas falam de heroísmo, memória e saudade, resumindo perfeitamente o cerne temático da série. As performances de dublagem alcançam níveis de excelência, com Atsumi Tanezaki capturando magistralmente a frieza inicial e o gradual "descongelar" emocional de Frieren através de nuances sutis na entonação, enquanto Kana Ichinose e Chiaki Kobayashi dão vida a Fern e Stark com uma mistura convincente de vulnerabilidade juvenil e determinação crescente. A montagem, por sua vez, utiliza com maestria flashbacks recorrentes, contrastando a mesma paisagem ou vilarejo visitado com décadas de intervalo, para visualizar de forma concreta, poética e profundamente comovente a passagem implacável do tempo, que é o tema central e o verdadeiro antagonista da obra.

A primeira temporada de Frieren: Beyond Journey's End, sob a visão filosófica dos criadores originais Kanehito Yamada e Tsukasa Abe e da equipe magistral do estúdio Madhouse comandada COM EXTREMA CONFIANÇA E SEGURANÇA por Keiichiro Saito, conclui seu arco inaugural estabelecendo a série de forma indelével como uma obra-prima moderna do gênero de fantasia e um marco da animação narrativa. O veredicto final sobre seus temas é de uma rara e tocante sabedoria, uma beleza melancólica que ressoa muito após o término dos episódios: a série argumenta, com profunda sensibilidade e sem sentimentalismos baratos, que o significado último da vida não reside exclusivamente nos grandes feitos heroicos ou nos legados monumentais, mas sim nos pequenos e aparentemente insignificantes momentos compartilhados, nas lembranças simples que cultivamos com cuidado, e no esforço sincero e presente de conhecer e compreender aquelas almas passageiras que caminham conosco, por mais breve que seja essa travessia comum. A jornada de Frieren e Fern é, em sua essência mais pura, uma jornada dual de cura e crescimento mútuo, onde a elfa milenar começa a reparar pacientemente sua desconexão emocional secular, enquanto a jovem humana aprende a forjar seu próprio caminho de poder e identidade além da sombra da obrigação e da gratidão. O impacto cultural da série extrapola em muito seu já expressivo sucesso de crítica e público, refletido em sua posição elevada em plataformas especializadas e na aclamação geral que destaca seu crescimento de personagem e narrativa introspectiva . Ela demonstra, de forma cristalina, que há espaço vasto e fértil na mídia contemporânea para narrativas de fantasia maduras, introspectivas e focadas em emoções humanas universais, elevando o potencial narrativo do anime a patamares literários e oferecendo um contraponto valioso e necessário à cultura vigente da urgência, do espetáculo instantâneo e do esquecimento rápido. Frieren: Beyond Journey's End ergue-se, assim, como uma meditação tocante, artisticamente sublime e filosoficamente rica sobre a mortalidade, a memória afetiva e as frágeis e eternas conexões que nos definem, tornando-se um marco indelével não apenas para sua audiência dedicada, mas para a televisão e a animação como um todo.

P.S.: Prestem atenção no feitiço do campo de flores...

 

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PLURIBUS S1 (2025)

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EPISÓDIOS

01 We is Us [****]

02 Pirate Lady [***1/2]

03 Grenade [***]

04 Please Carol [***]

05 Got Milk [***]

06 HDP [***]

07 The Gap [***]

08 Charm Offensive [***]

09 La Chica O El Mundo [***1/2]

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REVIEW

A primeira temporada de Pluribus, série de ficção científica lançada pela Apple TV+ em novembro de 2025, representa um ponto de inflexão nas já consagradas carreiras de seu criador, Vince Gilligan, e de sua protagonista, Rhea Seehorn. Gilligan, aclamado por ter redefinido o drama televisivo com Breaking Bad e sua prequel Better Call Saul, transita aqui para um território de alta conceituação científica (do qual não é nenhum estranho: vide os seus tempos em The X-Files), mantendo, porém, sua assinatura autoral: uma narrativa paciente, uma construção de personagens granular e um olhar penetrante sobre a moralidade humana. Para Seehorn, cuja interpretação da complexa Kim Wexler em BCS já era referência, o papel da amarga e pessimista Carol Sturka funciona como uma ampliação de seu registro, exigindo-lhe canalizar uma vulnerabilidade raivosa e um cinismo profundo que carregam o peso emocional da série. A temporada se insere com pertinência no contexto midiático de 2025, um período de intenso debate sobre os limites da inteligência artificial, a homogeneização cultural promovida pelas redes sociais e a busca, por vezes paradoxal, por felicidade e conformidade. Pluribus pega essa ansiedade coletiva e a extrapola para um cenário apocalíptico peculiar, questionando não um futuro distópico sombrio, mas um supostamente utópico, desafiando a audiência a refletir sobre o preço da harmonia e mesmo o valor da imperfeição.

A narrativa da primeira temporada se desenrola a partir de um evento cataclísmico singular: um vírus de origem extraterrestre transforma quase toda a humanidade em uma mente coletiva pacífica e perfeitamente satisfeita, conhecida como "União" ou "Os Outros". Contra esse pano de fundo, a autora de romances levemente eróticos Carol Sturka (Rhea Seehorn) (personagem natural de Albuquerque - cenário base da série) descobre ser uma das apenas treze pessoas no mundo imunes ao efeito do vírus. Sua missão, contudo, não é heroica no sentido tradicional; é uma luta visceral pela preservação de sua individualidade misantropa e caótica contra uma força que oferece paz e felicidade absolutas. Nessa jornada, ela é acompanhada por Zosia (Karolina Wydra) (personagem natural da Polônia e que apareceu pela primeira vez no Marrocos, algo que deverá ser explorado no futuro da série), uma integrante da mente coletiva designada para ser sua guia e companheira, cuja serenidade inabalável serve tanto de contraponto quanto de espelho distorcido para a angústia de Carol. Paralelamente, Carol entra em conflito e eventual aliança com o paraguaio Manousos Oviedo (Carlos-Manuel Vesga), outro imune que, diferentemente dela, opta por um isolamento total e uma resistência agressiva à assimilação. Os conflitos centrais giram em torno da desconfiança fundamental: a "União" é genuinamente benéfica ou uma forma insidiosa de escravidão? A felicidade imposta vale a perda da liberdade, da arte, do amor conflituoso e da própria história humana? A temporada utiliza a estrutura de uma estrada literária e física – com o casal Carol e Zosia viajando eventualmente por um mundo transformado – para desenvolver esses temas, mostrando como a ausência de dor também apaga a capacidade de criação, empatia genuína e crescimento.

A realização audiovisual de Pluribus é meticulosa e serve como um braço narrativo essencial. A direção de Vince Gilligan e sua equipe privilegia planos longos e um ritmo deliberadamente lento, criando uma atmosfera de desconforto e estranheza que imita a experiência da protagonista. A fotografia, frequentemente usando paletas de cores contrastantes – os tons quentes e desbotados dos espaços humanos remanescentes contra a limpeza fria e iluminada dos ambientes da "União" –, sublinha visualmente o conflito entre o caos orgânico e a ordem artificial. A montagem é econômica, confiando na potência do silêncio e da expressão dos atores para transmitir informação, uma técnica que Gilligan domina como poucos na TV. Nesse aspecto, as atuações são fundamentais. Rhea Seehorn oferece uma performance de virtuose, construindo uma Carol que é irritante, egoísta e tragicamente vulnerável, sem jamais perder a humanidade do espectador. Karolina Wydra, por sua vez, é magistral na sua ambiguidade, transmitindo uma calma que pode ser entendida como sabedoria ou como a mais profunda ameaça. Carlos-Manuel Vesga traz uma presença física e uma determinação silenciosa que faz de Manousos um contraponto pragmático e necessário. A trilha sonora assinada por Dave Porter abandona as melodias tradicionais, optando por texturas eletrônicas e ambientais que amplificam a sensação de desconexão e de um mundo reconfigurado por uma lógica alienígena.

A primeira temporada de Pluribus, obra do estupendo Vince Gilligan com uma atuação central indelével de sua musa Rhea Seehorn, conclui sua jornada inicial com um veredicto complexo e provocador. A série não oferece respostas fáceis sobre se a individualidade, com toda sua dor e conflito, é preferível a uma coletividade harmoniosa. Em vez disso, ela valida a luta pela autonomia de ser como um ato fundamental de resistência, ainda que os "heróis" dessa causa sejam profundamente falhos. Carol Sturka, Zosia e Manousos Oviedo emergem não como vencedores ou perdedores claros, mas como símbolos de diferentes respostas a uma transformação existencial. O impacto de Pluribus extrapola seu enredo, estabelecendo um novo patamar para a ficção científica televisiva ao fundir uma premissa de alta conceituação com um drama de personagens profundamente humano. Para a audiência de 2025, a série funciona como um espelho distorcido e poderoso, convidando à reflexão sobre conformidade, felicidade superficial e o valor inestimável da autenticidade imperfeita. Como um todo, Pluribus reforça o poder da televisão como meio para explorar as grandes questões filosóficas do nosso tempo, provando que a mais original das narrativas pode surgir da simples, porém eterna, dúvida sobre o que verdadeiramente nos define como espécie.

Em tempo #1: O amor que a "União" declara por Carol seguidas vezes aqui é um dos pontos mais intrigantes da atração. Cuidado absoluto de toda a humanidade por um dos seus ou apenas o vírus tentando cumprir o seu imperativo biológico de assimilação? Carol termina a temporada votando na segunda opção (tendo os seus óvulos congelados roubados, algo que agora permite a sua absorção unilateral pela coletividade E tendo agora uma bomba atômica de estimação como medida dissuasória).

Em tempo #2: É curioso como a diferença de atitude entre Carol e Manousos parece espelhar as diferenças entre as suas classes socioeconômicas e a distinção entre capitalismo central e periférico na Economia Global (e notem que contrariando clichês a posição de Manousos não tem nada de socialista).

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DANDADAN S2 (2025)

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EPISÓDIOS

01 "Like, This Is the Legend of the Giant Snake" [***]

02 "The Evil Eye" [***1/2]

03 "You Won't Get Away with This!" [***1/2]

04 "That's, Like, Way Deadly" [***1/2]

05 "We Can All Stay There Together!" [***]

06 "We Became a Family" [***1/2]

07 "Feeling Kinda Gloomy" [***]

08 "You Can Do It, Okarun!" [***1/2]

09 "I Want to Rebuild the House" [***1/2]

10 "The Secret Art of Being Attractive" [***]

11 "Hey, It's a Kaiju" [***]

12 "Clash! Space Kaiju vs. Giant Robot!" [***1/2]

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ACASTANHADAS

Com a confiança de quem sabe que o público já está rendido ao seu caos particular, a segunda temporada de Dandadan chega ao fim não com um ponto final, mas com uma vírgula gorda e um beijo inesperado. A Science Saru entrega uma sequência que, se não possui o fator novidade da estreia, solidifica a mitologia e expande o elenco com a mesma energia cinética de uma guitarra de power metal. É uma temporada de afirmação, que equilibra a introspecção forçada de seus heróis com batalhas que desafiam a lógica e a gravidade, mas que ocasionalmente tropeça no próprio ritmo alucinado. A trama retoma exatamente do cliffhanger anterior, levando Momo, Okarun e o recém-chegado Jiji para a enigmática Casa Maldita, localizada em uma vila de águas termais dominada pela sinistra família Kito. Este arco inicial, que compõe a espinha dorsal dramática da temporada, é o mais denso emocionalmente. A ameaça não é apenas um Yokai genérico, mas a personificação do ódio de uma criança que foi sacrificada para apaziguar um deus serpente, o Tsuchinoko. A revelação de que o Evil Eye é na verdade um espírito vingativo formado pela dor de infantes sacrificados ao longo dos séculos adiciona uma camada de tragédia que segue passos análogos aos da história da Acrobática Silky  da primeira temporada (e que é o ponto alto daquela). Após a intensa batalha psicodélica para conter a fúria do espírito, o tom muda. Somos apresentados aos excêntricos Exorcistas Rockeiros, os Hayashi Performers, cujo ritual de purificação se transforma em um show de rock que é ao mesmo tempo absolutamente ridículo e visualmente genial (atraindo o mundo espiritual como audiência). É aqui que Jiji (o agora hospedeiro do Yokai) decide não exorcizar o Evil Eye, mas sim acolhê-lo, compreendendo sua solidão, e este momento define o tom da temporada (exatamente na sua metade)(06), pois Dandadan não se interessa em destruir seus monstros, mas sim em ressignificá-los como parte de uma família disfuncional.

(O episódio 08 traz: um ponto de virada no amadurecimento de Okarun e na relação da sua forma Yokai com a de Aira. Fora toda a imaginação envolvida na ameaça dos espíritos dos músicos clássicos.)

O arco final introduz Kinta Sakata (10-12), o Otaku autoproclamado gênio (e intrigado com o aparente sucesso de Okarun com as meninas) que utiliza a tecnologia alienígena nanoskin para materializar seus delírios de grandeza, transformando a casa dos Ayases (agora reconstruída em nanoskin) em um mecha gigante, o Grande Buda Kinta (!). A batalha desse mecha contra o Kaiju Espacial (que havia aparecido inicialmente como uma das infames "Jóias de Família") é uma carta de amor explícita a cultura pop japonesa (ainda que meio rasa narrativamente), culminando na revelação de que o monstro era na verdade uma armadura pilotada por uma garota alienígena (no melhor estilo EVA de Evangelion adaptado ao uma roupa com zíper (!)). O beijo desta misteriosa menina em Okarun, testemunhado por Momo, recria a dinâmica do triângulo amoroso (ecoando o final do piloto!) e prepara o terreno para o próximo arco. Se a primeira temporada foi sobre a descoberta do outro e dos próprios sentimentos, a segunda é sobre a manutenção desses laços sob pressão. A relação entre Momo e Okarun atinge um patamar de maturidade delicioso (cheia de momentos fofos), com Okarun, antes um completo alienado social, demonstrando uma coragem emocional que finalmente rivaliza com suas transformações físicas. A cena em que ele se oferece para dormir ao lado de Jiji no banheiro, apenas para garantir que o amigo não entre em contato com água fria e desperte o espírito Evil Eye, é um exemplo tocante de como a série constrói masculinidade e amizade sem cair em caretice. A direção de Fuga Yamashiro e Abel Góngora merece aplausos, pois a liberdade estilística da Science Saru permite que a animação distorça, respire e exploda conforme a narrativa exige. O episódio do exorcismo rockeiro é um case de como usar a música e a mudança de ritmo visual para contar uma história, enquanto a luta final contra o kaiju abraça a grandiosidade com referências otaku que funcionam como uma celebração.

No entanto, a segunda temporada sofre de uma ligeira síndrome do mais do mesmo (ainda que seja muito sólida), onde o fator surpresa que fez de Dandadan um fenômeno se dilui um pouco quando percebemos a fórmula se repetindo: apresentação de um problema aparentemente insolúvel, introdução de um coadjuvante excêntrico e resolução via poder da amizade e imaginação. O arco do Kaiju, embora visualmente espetacular, sofre com uma montagem temporal confusa, com flashbacks inseridos de forma abrupta que quebram o ímpeto narrativo. Além disso, a decisão de compilar os primeiros episódios em um filme para cinemas, intitulado Dandadan Evil Eye, pode ter prejudicado a respiração da temporada, tornando os episódios iniciais tão frenéticos e compactados que parecem mais um clímax do que uma construção, deixando pouco espaço para o mistério respirar antes de partir para a próxima loucura (de todo modo o arco inicial é o principal e cheio de qualidades). Ainda assim, a segunda temporada de Dandadan é um prato cheio para quem já estava comprado pela proposta, entregando tudo que promete: ação insana, humor nonsense e um coração gigante. Não é tão revolucionária quanto a de estreia, mas é competente em expandir o universo sem perder a sua essência. O beijo da nova antagonista em Okarun não é apenas um cliffhanger barato, é a senha para o que virá, e considerando que o anime parou no capítulo 71 do mangá, a terceira temporada tem tudo para adaptar o arco dos Globalistas, uma saga que promete virar o jogo e colocar toda essa bagunça sob ameaça extraterrestre em escala planetária. Se você achou que o caos estava no controle, prepare-se, porque a invasão está apenas começando.

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MY HERO ACADEMIA S8 (2025)

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EPISÓDIOS

S8.E01 ∙ Toshinori Yagi: Rising/Origin [****]

S8.E02 ∙ The End of an Era, and the Beginning [****]

S8.E03 ∙ The Final Boss!! [****]

S8.E04 ∙ Quirk: Explosion [****]

S8.E05 ∙ Historys Greatest Villain [****]

S8.E06 ∙ Wrench it Open, Izuku Midorya [****] 

S8.E07 ∙ From Aizawa [****]

S8.E08 ∙ Izuku Midorya Rising [****]

S8.E09 ∙ Epilogue , The Hellish Todoroki Family: Final [****]

S8.E10 ∙ The Girl Who Loves Smiles [****]

S8.E11 ∙ My Hero Academia [****]

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ACASTANHADAS

A oitava e última temporada de My Hero Academia (2025) entrega mais do que um simples final. É uma conclusão realmente estupenda, um acerto de contas épico com as suas próprias oscilações de qualidade, e, acima de tudo, um tributo emocionante à sua própria jornada. Em apenas 11 episódios densos e realizados com primor, a produção fecha o ciclo da era One For All de forma espetacular, adaptando o restante do Arco da Guerra Final e o Epílogo do mangá . O resultado é uma temporada que se mantém em nível de excelência, justificando a críticas positivas e a aclamação esmagadora do público. 

O cerne narrativo é, inevitavelmente, o duelo final pelo destino do mundo. Enquanto Izuku Midoriya luta para resgatar a humanidade de Tomura Shigaraki em uma batalha de ideais e socos devastadores, outra guerra, carregada de simbolismo, acontece nas ruínas de outra cidade. Ali, um Toshinori Yagi destituído de seu poder, mas não de sua coragem, enfrenta All For One dentro de uma armadura que replica as Individualidades de seus alunos . Este confronto é puro legado versus pura ganância, e sua conclusão é uma das chaves para a vitória. All Might cumpre seu papel ao extremo, desgastando o corpo regredido do vilão até que uma figura inesperada surja para o golpe de misericórdia .

E aqui reside uma das maiores correções e triunfos da temporada: a ascensão definitiva de Katsuki Bakugo como co-protagonista. Sua reentrada no campo de batalha, após uma ressurreição engenhosa e inusitada, não é apenas um momento de puro heroísmo, é uma redefinição de seu papel . Ao salvar All Might das garras de All For One, ele reescreve o futuro e se proclama, com a arrogância que lhe é peculiar e totalmente merecida, "o chefe final" . Seu duelo contra All For One é o clímax da redenção de Bakugo. Ele não luta apenas com explosões, mas com uma compreensão tática profunda de sua própria Individualidade (uma única ao contrário da propaganda egoísta do vilão), plantando minúsculas gotas de suor explosivo dentro de All For One para desestabilizá-lo por dentro. A derrota final de All For One, regredido a um bebê que chora até desaparecer, é creditada em grande parte à fúria implacável e à genialidade de combate de Bakugo, solidificando-o como um dos pilares que sustentou a vitória neste dia.

(O segmento conta finalmente a origem de All for One e do seu irmão. Material de altíssima qualidade!)

Enquanto isso, a luta de Deku atinge seu ápice no emblemático Episódio 167, "Izuku Midoriya: Rising" . É aqui que o tema central da série brilha: ninguém vence sozinho. Com seu corpo à beira do colapso e apenas restando as brasas de One For All, Deku é catapultado em direção ao inimigo por uma verdadeira avalanche de camaradagem . Cada herói sobrevivente, de seus colegas de classe 1-A a profissionais desgastados, forma um escudo humano e um caminho, gritando seu apoio. Este momento é a definitiva catarse emocional da série, onde a verdadeira força não é o poder de um, mas a fé de todos em um só . O soco final de Deku, desferido ao som de You Say Run, não carrega apenas o poder de oito usuários passados do One for All, mas os desejos de um mundo inteiro, limpando os céus e selando o fim do pior vilão da história .

A temporada, no entanto, brilha igualmente no silêncio que se segue ao rugido. O epílogo, ambientado oito anos no futuro, é uma cereja do bolo perfeita e sábia . Ele renuncia a um "felizes para sempre" idealizado para mostrar um mundo em lenta e constante reconstrução. Vemos nossos heróis como jovens adultos, lidando com as responsabilidades e os legados que escolheram. Ochaco Uraraka, agora a Heroína Profissional nº. 24, usa sua fama para promover aconselhamento sobre Individualidades em escolas, canalizando sua empatia para um novo tipo de salvamento. E Shoto Todoroki e Katsuki Bakugo se consolidam como os pilares da nova geração de heróis de alto escalão.

E Izuku Midoriya? Sua escolha final é talvez a mais ousada e significativa de sua jornada. Tornando-se um grande herói ao abrir mão daquilo que o definia, ele encontra um propósito ainda mais profundo: cultivar o futuro. Como professor na U.A., ele passa o bastão, guiando a próxima geração com a mesma compaixão e fé obstinada que All Might uma vez depositou nele. É um fechamento de ciclo poeticamente perfeito, que transforma o símbolo da paz em uma semente permanente.

(Esta Castanha pensa que não era de fato necessário o traje simulador de poderes que permite que ele continue sendo herói parcialmente com a sua turma da U.A.)

Em suma, a oitava temporada de My Hero Academia é uma conclusão excelente que entende perfeitamente o espírito de sua própria narrativa. Ela equilibra o espetáculo visual implacável e as batalhas cinematográficas do Studio Bones com uma profundidade emocional rara. Ao dar a cada arco de personagem um fechamento digno — seja a redenção de Bakugo, a empatia de Uraraka ou o sacrifício continuado de All Might — e ao apostar em um epílogo contemplativo e cheio de esperança, a série assegura seu legado. Não como apenas mais um shonen de sucesso, mas como uma das sagas de super-heróis mais humanas, coerentes e inspiradoras já contadas, um verdadeiro marco que, assim como seu protagonista, deu o seu melhor até o último frame.

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KAIJU NUMBER 8 SEASON 02 (2025)

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EPISÓDIOS

S2.E01 ∙ Kaiju Weapon [**1/2]

S2.E02 ∙ The Next Generation's Trial [***]

S2.E03 ∙ The Strongest Division [***1/2]

S2.E04 ∙ The Man Called Isao Shinomiya [****]

S2.E05 ∙ I Want to Be Strong [**1/2]

S2.E06 ∙ Compatible User [**1/2]

S2.E07 ∙ Wall [**1/2]

S2.E08 ∙ Destiny [**1/2]

S2.E09 ∙ Omen [**1/2]

S2.E10 ∙ Cataclysms [***1/2]

S2.E11 ∙ Second Wave [***1/2]

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ACASTANHADAS

A segunda temporada de Kaiju No. 8 (2025) mergulha o espectador no rescaldo tenso e desestruturado que se segue à revelação pública do poder de Kafka. Com a Terceira Divisão em ruínas, os recrutas promissores são dispersos por outras divisões para treinamento especializado, enquanto o próprio Kafka, agora oficialmente considerado uma "arma", é colocado sob a custódia da temível Primeira Divisão. Esta mudança geográfica forçada é o motor narrativo da temporada, que troca a unidade coesa do início por uma abordagem de esquadrões fragmentados, desenvolvendo personagens secundários como Iharu Furuhashi e Reno Ichikawa em suas novas funções.

O cerne da trama é o processo de prova pelo qual Kafka e Kikoru Shinomiya (filha de dois soldados lendários da Força de Defesa) precisam passar sob o comando excêntrico e brutal do Capitão Gen Narumi, o soldado mais forte da Força de Defesa. Enquanto eles tentam se adaptar a um ambiente que os vê com desconfiança, a ameaça inteligente do Kaiju No. 9 continua a se mover nos bastidores, orquestrando ataques cada vez mais ousados. A temporada desenvolve com maestria o conceito de "Armas Kaiju" – equipamentos forjados a partir dos corpos dos monstros abatidos –, expandindo o leque de poderes e táticas de combate, com destaque para a arma viva e senciente (!) usada pelo Vice-Capitão Hoshina (da Terceira Divisão e um favorito desta Castanha).

Crítica e justamente, esta é inegavelmente uma temporada de transição e construção. Seu maior acerto é dedicar tempo para solidificar o elenco de apoio e elevar as apostas do mundo, mas isso vem às custas de um ritmo mais deliberado, com sequências de treinamento extensas e menos batalhas espetaculares contínuas do que na primeira temporada. Alguns fãs podem estranhar a relativa ausência de Mina Ashiro (a poderosíssima capitã da terceira divisão e amiga de infância de Kafka) e a decisão de, em momentos, colocar o protagonista Kafka em um segundo plano para focar em outros... Visual e auditivamente, porém, a produção mantém o alto padrão, com animação dinâmica e uma trilha sonora poderosa, agora acompanhada pela nova abertura "You Can’t Run From Yourself" de AURORA.

O final é um imenso cliffhanger calculado e agonizante. Após apresentar novos vilões e manobras estratégicas devastadoras, a temporada termina no momento de máxima tensão, com as peças do tabuleiro posicionadas para um conflito total e Kafka finalmente pronto para lutar sem restrições. O que está por vir, em uma terceira temporada, é a guerra final que esta fase meticulosa de preparação antecipou: o confronto direto contra a ameaça existencial do Kaiju No. 9, com todas as divisões da Força de Defesa e suas novas armas tendo que se unir para sobreviver. Esta segunda temporada pode não replicar o impacto inicial absoluto da primeira, mas cumpre com competência seu papel de colocar os pilares para um desfecho explosivo e emocional, que acreditamos que virá!

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THE STUDIO S1 (2025)

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EPISÓDIOS

01X01 The Promotion [****]
01X02 The Oner [****]
01X03 The Note [**1/2]
01X04 The Missing Reel [**1/2]
01X05 The War [**]
01X06 The Pediatric Oncologist [***]
01X07 Casting [***]
01X08 The Golden Globes [***1/2]
01X09 CinemaCon [***1/2]
01X10 The Presentation [***1/2]

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ACASTANHADAS:

01X01: "Excelente piloto... Ele eficientemente apresenta as principais características da série de comédia de meia hora: um mix de bastidores ficcionais de Hollywood largamente exagerados/romantizados , um humor extremo (porém mais sátira do que comédia de constrangimento) , um verdadeiro arsenal criativo de planos sequência (cortesia dos diretores de todos os episódios: Seth Rogen & Evan Goldberg) , uma desconcertante trilha sonora percussiva do genial baterista Antônio Sanchez ETC... Temas e Estruturas deste episódio aqui: Novo X Velho (no sentido de passagem de bastão) , Pragmatismo Comercial X Integridade Artística , Lealdade X Reconhecimento , Exploração de propriedades intelectuais (cada vez mais inusitadas) , O próprio Scorsese como um contraponto autoral direto desse último item (aliás, artistas reais vivendo versões ficcionalizadas suas é outra característica da atração!) , Belas rimas e Contracapas narrativas e até O Pênis (alegadamente) Gigante do falecido Ray Liotta... Castanha aprovou!"

(Aliás, Seth Rogen é a principal força criativa da série e vive o protagonista da atração, o recém apontado chefe do estúdio Continental: Matt Remick.)

01X02: "Remick visita o set de uma das suas produções no dia em que será filmada a última sequência do longa, um ambicioso plano em uma única tomada e em "hora mágica" (ao por do sol)... O executivo está delirantemente excitado por assistir tão virtuosa filmagem em primeiro mão , sendo cinicamente manipulado por favores pelos artistas (percebendo a sua 'vulnerabilidade')  e 'aparentemente incapaz' de deixar a captação seguir seu curso... O resultado é espetacularmente hilário com as atitudes apatetadas de Remick escalando os seus prejuízos às filmagens até arruinar completamente a sequência...  Esse episódio (que meta linguisticamente é um plano sequencia ao por do sol) é o grande momento da temporada. E um ato difícil de suceder."

01X03: "A premissa: o quarteto principal assiste a um corte final de 'um filme de Ron Howard' que unanimemente funciona muito bem por duas horas e encalha  completamente num inexplicável CODA ARTÍSTICO de 45 minutos. Remick conseguirá dar uma 'nota' para 'Howard' cortar tal CODA?  ... Honestamente, a história não escala tão bem nessa mencionada tarefa e a premissa  parece ser mais esticada/repetitiva aqui do que o recomendado. A resolução a faz funcionar com um inesperado confronto físico/frontal entre Remick e 'Howard' (que se apresenta como uma espécie de potencial futuro 'Nemesis' para o protagonista)."

01X04: "Um Riff sobre o Neo Noir em geral e Chinatown em particular soa meio simplório e não completamente desenvolvido... As motivações de 'Olivia Wilde' (a diretora da vez) parecem ainda mais mal cozidas e a noção de Remick (apresentado como o último defensor da filmagem em película no segmento) ter que vender o seu carro para pagar pela infantilidade da 'artista' não parece acertar nem perto do alvo que os realizadores mentalizaram... Mais coçadas de cabeça do que gargalhadas no segundo mais baixo ponto da temporada." 

01X05: "Sal Saperstein e Quinn Hackett (que completam o quarteto principal da série junto com Matt Remick e Maya Mason) iniciam basicamente uma guerra para quem vai conseguir produzir o próximo slasher de baixo orçamento para o estúdio (dois filmes aparentemente indistinguíveis na sua mediocridade por falar nisso). A arrogância desproporcional de Sal para com a sua subordinada colide com a desmedida ansiedade profissional de Quinn, se retro alimentando de maneira explosiva... O episódio mais formulaico da temporada e com menos ideias (a introdução das filhas de Saperstein parece gratuita aqui assim como a cena de sexo de Hackett com o seu namorado)... O ponto mais baixo da atração até aqui."

01X06: "Tirando uma página do senso comum do retórico confronto entre Artistas X Oncologistas (Pediátricos aqui), se estabelece uma premissa que é surpreendentemente engajante ainda que apropriadamente tosca (com direito a discussão de um trailer de um filme de zumbis que infectam humanos com diarreia explosiva). Os argumentos rasos e as atitudes pedantes e infantis de lado a lado são um verdadeiro show de horrores (!) e é exatamente esse o ponto... E a contracapa final do segmento não perdoa a vida amorosa de Remick (o que é mais do que no alvo após o que acabamos de ver do personagem)."  

 

01X07: "OK, escalar o rapper Ice Cube como a voz da jarra antropomórfica do refresco Kool-Aid foi genial, especialmente por conseguir a participação do próprio artista, mas isso é apenas uma ínfima parte do episódio... A premissa é o quarteto principal examinando, com uma lupa vesga e tentando antecipar possíveis ofensas embutidas a minorias sociológicas e consequentes retornos catastróficos nas redes sociais, o elenco razoavelmente bem escalado nos seus termos para o mencionado filme. Até mexer tanto e de forma tão atabalhoada  na escalação que o elenco termina completamente preto e definitivamente com um feel racista (até os roteiristas originais abandonam o projeto por se sentirem incapazes de reescrever o próprio filme)... Felizmente o episódio é claramente uma crítica a atitude estúpida que ele dramatiza (ainda que confessemos estarmos cansados de tais IDIÓTICAS QUESTÕES)... Os pontos altos são o reconhecimento de que tal refresco não é preferencialmente consumido por pretos mas sim pelos pobres e a reação das redes sociais vir pelo uso de IA com perda de empregos reais e não por qualquer outro motivo. O que mantém o episódio em bom curso."

 

01X08: "A encenação de um cerimônia do globo de ouro é  impecável, as participações inspiradas de vários 'artistas' são sensacionais e o refrão de agradecimento ao Sal Saperstein (iniciado pelo Adam Scott) é absolutamente absurdo e hilário (e ganha momento ao longo do episódio). No coração do segmento está Remick na sua sina de querer ser apreciado pelos seus artistas... Um agradecimento obrigado (em contrato) ainda vale como agradecimento? Um agradecimento com microfone já desligado vale para quem o recebe?"

 

01X09: "O time se prepara para bem representar o Continental na 'CinemaCon' enquanto chega a novidade de que a AMAZON está interessada em comprar o estúdio... O restante do episódio mostra (em meio a uma festa pré-evento) quase todos os principais personagens drogados ao extremo, com destaque absoluto para o chefão do estúdio vivido por Bryan Cranston (também conhecido como o pai da "Mel"). O humor aqui é físico e extremo e funciona apesar de si mesmo."

 

01X10: "O time consegue fazer (apesar de consumir tantas drogas) uma grande (e também bastante divertida) apresentação  na 'CinemaCon', afastando ao menos por hora o fantasma da aquisição pela AMAZON. Remick reconhece em público os seus parceiros mais próximos oferecendo um desenvolvimento claro ao personagem mas é Cranston quem rouba o episódio indo desde um literal riff do filme 'Weekend at Bernies' até uma surreal dança suspenso em arames. É ver para crer!"

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DAVID LEAN (1945-1984)(*)

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1945 Brief Encounter [****] GF1000
1946 Great Expectations [****] GF1000
1948 Oliver Twist [***] GF4000
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1955 Summertime [***1/2] GF2500
1957 The Bridge on the River Kwai [****] GF1000
1962 Lawrence of Arabia [****] GF1000
1965 Doctor Zhivago [****] GF1000
1970 Ryan's Daughter [***] GF1000
1984 A Passage to India  [***] GF4000

 

(*) Filmografia selecionada.

 

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STRANGE NEW WORLDS 3X10: NEW LIFE AND NEW CIVILIZATIONS

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 SNW3X10: "New Life and New Civilizations" [**]

 

"O Meta Comentário que nem Sherlock Holmes Percebeu" : O pequeno review que se segue tenta explicar o episódio nos seus termos mas talvez ele simplesmente não seja assim explicável. Fica a nítida impressão de que ocorreu alguma ordem executiva do estúdio (com os roteiros já aprovados e com a terceira temporada já em PREP) dizendo FRONTALMENTE a eles da produção para "limpar a mesa" e/ou "que estava na hora de algo diferente". E é isso que deixa o gosto de "bagunça" e de "fim de série" na boca ao seu final... 

"Dois Binários Entrelaçados" : A amizade entre Spock e Kirk é um dos mais memoráveis e amados elementos de toda a franquia e algo que o episódio parece querer nos convencer que tomou um definitivo impulso com um elo mental deveras gratuito aqui. Gratuito pois uma AI teria pilotado com precisão as duas naves e (o melhor de tudo) sem os visuais ridículos (não que as estimativas energéticas usadas pareçam muito corretas em primeiro lugar) (e não que a radiação dos feixes não devesse ter vaporizado todos os irresponsivos fieis naquele templo e além naquele planeta aparentemente feito via AI) ... E quantos episódios da TOS esse elo "potencialmente destruiu" com o futuro capitão da Enterprise agora partilhando da mente do seu futuro primeiro oficial?

 

(E como o episódio 3X05 pode funcionar nos seus termos se uma única entidade Vezda consegue gerar tanta energia? E por qual motivo o Vezda não simplesmente levou o M'Benga da Enterprise para tal planeta e dali direto para  Vadia IX?) 

 

"E de alguma maneira Ray é neta de um (!?) Revivido Palpatine (e também é uma SkyWalker)..." : O Vezda conseguir ir arbitrariamente da Enterprise para o planeta dos seus adoradores e dai ter que esperar arbitrariamente pela Enterprise lá para só então ir para Vadia IX é demente (As tais "Linhas Ley Galácticas" são introduzidas e não explicadas... Nem arbitrariamente... E isso num universo ficcional já saturado com os "motores de esporos" da vida.), mas isso não é o pior... De alguma maneira o tratamento completamente arbitrário de Batel a transformou na carcereira hiperdimensional dos Vezdas.  Por quê? Perguntem para o J.J..

 

(E sim tudo que acontece no Planeta do Adoradores é meio esquisito/irresponsivo/indiferente e o episódio não faz o MENOR esforço com alguma "coleta de lixo" por lá ao seu final. Nem como Pike para lá voltou.)

(E de alguma forma Pelia consegue transformar cada cena em que ela está presente em um Revival de Golden Girls e ao mesmo tempo ser uma ex-companheira de alguma iteração do Doctor Who... Ou algo assim.)

 

"A Cozinha Interior" : Inner Light é um dos episódios mais amados de TNG e de toda a franquia  ao fazer colidir lindamente dentro do seu protagonista: a estrada escolhida de Oficial da Frota Estelar com os caminhos não tomados de Arqueólogo e de Pai de Família. Essa indescritível experiência que agora existe somente dentro dele encontra tradução exterior numa singela e bela melodia de flauta tocada pelo próprio... Aqui temos Batel conjurando e vivendo toda uma vida com Pike e dai (para todos os fins práticos humanos) morrendo para cumprir a sua missão de carcereira permanente do mal primordial da galáxia... É chocante a falta de protagonismo de Pike (quase um carona em sua própria série, ele começa o episódio cozinhando e vai para a realidade alternativa vivida cozinhando e ganha até um avental de presente) (e serve basicamente de suporte emocional para uma personagem recorrente) e o gigantesco trauma que ele acumula aqui (viver a vida com uma filha parece particularmente cruel!). Ainda desnorteado ele mal consegue ordenar que a nave saia de órbita (Para uma missão de cinco anos conforme dizem... Será a de Kirk?).

 

(Em tempo #01: A proximidade com Inner Light foi confirmada pelos próprios showrunners... Esta Castanha também se lembrou dos longos "episódios interiores" dos protagonistas de animes - Batel no caso - em momentos críticos, por exemplo em meio a uma luta... Um comentarista mencionou os "Flash-Sideways" da série LOST, algo muito bem observado.)

 

(Em tempo #02: Nada de Pike cuidando de uma Batel "com câncer" e nem de uma Batel cuidando de um "Pike inválido", apesar de Pike em um certo momento na vida vivida dos dois mencionar essa possibilidade.)

 

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SERGIO LEONE (1964-1984)

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1964 A Fistful of Dollars I [***1/2] GF2500
1965 For a Few Dollars More II [****] GF1500
1966 The Good, the Bad and the Ugly III [****] GF1000
1968 Once Upon a Time in the West I [****] GF1000
1971 Once Upon a Time... The Revolution II [***1/2] GF2000
1984 Once Upon a Time in America III [****] GF1000

 

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ANDREI TARKOVSKY (1962-1986)

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1962 Ivan's Childhood [****] GF1000
1966 Andrei Rublev [****] GF1000
1972 Solaris [****] GF1000
1975 Mirror [****] GF1000
1979 Stalker [****] GF1000
1983 Nostalghia [****] GF1000
1986 The Sacrifice [****] GF1000

 

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STANLEY KUBRICK (1956-1999)

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1956 The Killing [****] GF1000
1957 Paths of Glory [****] GF1000
1960 Spartacus [****] GF1000
1962 Lolita [****] GF1000
1964 Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb [****] GF1000
1968 2001: A Space Odyssey [****] GF1000
1971 A Clockwork Orange [****] GF1000
1975 Barry Lyndon [****] GF1000
1980 The Shining [****] GF1000
1987 Full Metal Jacket [****] GF1000
1999 Eyes Wide Shut [****] GF1000

 

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RECOMENDAÇÃO: DUO FLEESH

🎸 Conheça o Duo Fleesh: Rock Progressivo Brasileiro que Conquista o Mundo! 🎶

 

 

Se você curte rock com alma, emoção e um toque progressivo, precisa mergulhar no universo do Fleesh, o duo brasileiro que está fazendo barulho desde 2014! Formado por Gabby Vessoni e Celo Oliveira, o Fleesh combina composições autorais profundas com covers que homenageiam gigantes do rock (especialmente aqueles do rock progressivo). Confira o canal deles no YouTube e prepare-se para se apaixonar:

 

https://www.youtube.com/channel/UC4o3HPmFadj7EH1G1tkOt_Q

Minibiografia do Fleesh

 

O Fleesh nasceu em 2014, quando Gabby e Celo decidiram unir suas paixões musicais para criar algo único. Com influências de bandas como Marillion, Genesis, Pink Floyd, Rush e Renaissance, o duo aposta no rock progressivo com elementos de pop/rock, criando uma sonoridade envolvente e emocional. Desde o primeiro álbum, My Real Life (2015), até o conceitual Across the Sea (2019), que aborda os estágios da depressão, o Fleesh conquistou fãs no Brasil e no mundo com sua autenticidade e qualidade musical. Em 2019, eles estrearam nos palcos nos EUA e no Brasil, acompanhados por uma banda completa, e até gravaram um DVD ao vivo!

Mais sobre os membros do Fleesh

 

**Gabby Vessoni**: Vocalista e multi-instrumentista, Gabby traz uma voz poderosa e emotiva que dá vida às letras do Fleesh. Sua versatilidade e paixão pelo rock progressivo são o coração pulsante do projeto. Fora dos palcos, ela é conhecida por sua conexão com os fãs e dedicação à música.

 

**Celo Oliveira**: Guitarrista, tecladista e produtor, Celo é o mestre por trás dos arranjos intrincados e da produção impecável do Fleesh. Sua habilidade técnica e visão artística moldam a sonoridade única do duo, misturando camadas melódicas e atmosferas progressivas.

 

**Trabalhos Autorais do Fleesh**

 

O Fleesh já lançou vários álbuns originais, cada um com uma identidade marcante:

- **My Real Life (2015)**: O álbum de estreia, que apresentou o duo ao mundo com uma mistura de rock acessível e elementos progressivos.

- **What I Found (2017)**: Mais maduro, com influências progressivas ainda mais evidentes.

- **Across the Sea (2019)**: Um álbum conceitual que explora os estágios da depressão, com letras profundas e instrumentais emocionantes.

 

ETC.

**Trabalhos com Covers do Fleesh**

Além das composições autorais, o Fleesh é conhecido por seus tributos impecáveis a grandes nomes do rock. No YouTube, eles conquistaram uma legião de fãs com versões de:

 

**Rush**: *The Next Hemisphere* (2017), um álbum com 14 faixas que celebram a carreira da banda.

 

**Marillion**: *Script for a New Season* (2018), um álbum duplo dedicado a uma de suas maiores influências.

**Pink Floyd**: O aguardado *Home Again - A Tribute to Pink Floyd* (2022), com destaque para a versão de *High Hopes*.

 
**Renaissance e Genesis**: Tributos lançados em 2020, mostrando a versatilidade do duo.

 

**Estilo e Influências do Fleesh**

O som do Fleesh é uma fusão de **rock progressivo**, **pop/rock** e toques de **rock clássico**, com arranjos ricos, letras introspectivas e melodias cativantes. Inspirados por Marillion, Genesis, Pink Floyd, Rush e Renaissance, eles criam músicas que equilibram emoção crua e sofisticação instrumental, perfeitas para quem gosta de se perder em camadas sonoras e histórias contadas através da música.

**Por que acompanhar o Fleesh?**

Fantástico grupo com desconcertantes covers (Ainda estamos começando a explorar o seu material autoral!)... Covers como os de Epitaph (do King Crimson), Sugar Mice (do Marillion) e The Lamia (do Genesis) são um deleite para os fãs de rock progressivo com uma arrebatadora combinação de técnica, feel e entendimento do estilo... Mesmo os seus covers de origem mais pop (o que inclui a nossa MPB) trazem rearranjos inspirados nas suas influências progressivas, apresentando uma linha de trabalho sem costuras aparentes e sempre de extremo bom gosto.

 

 

WEDNESDAY SEASON 02 (2025)

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Segunda temporada...

 

S2.E1 ∙ Here We Woe Again [**1/2]
S2.E2 ∙ The Devil You Woe [**1/2]
S2.E3 ∙ Call of the Woe [**1/2]
S2.E4 ∙ If These Woes Could Talk [***]
S2.E5 ∙ Hyde and Woe Seek [**1/2]
S2.E6 ∙ Woe Thyself [***1/2]
S2.E7 ∙ Woe Me the Money [***]
S2.E8 ∙ This Means Woe [***]

 

ACASTANHANDO: "A maior participação dos demais Addams não tirou o foco da protagonista e acabou por oferecer um caráter mais pessoal (do que na temporada anterior) aos trabalhos, especialmente com relação ao conflito com a mãe e no chamamento ao legado da avó e da tia desaparecida... Além do retorno dessa tia (Ophelia Frump), para a terceira temporada podemos esperar embates envolvendo Hydes e Lobisomens (via a personagem de Isadora Capri) e algum tipo de A Busca por Enid logo no início do novo ciclo... A história global/local da segunda temporada foi competente/profissional como a da primeira mas parece haver um teto de ambição aplicado a produção que impede uma recomendação mais efusiva desta Castanha (Apesar de reconhecermos o claro apelo aos fãs do combo GTE = GÓTICO + TERROR + EXPRESSIONISMO.)."

 

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E ainda... Da primeira temporada...

 

S1.E1 ∙ Wednesday's Child Is Full of Woe [**1/2]
S1.E2 ∙ Woe Is the Loneliest Number [**1/2]
S1.E3 ∙ Friend or Woe [**1/2]
S1.E4 ∙ Woe What a Night [***]
S1.E5 ∙ You Reap What You Woe [***]
S1.E6 ∙ Quid Pro Woe [***]
S1.E7 ∙ If You Don't Woe Me by Now [***]
S1.E8 ∙ A Murder of Woes [***]

 

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